Invitados internacionales

Lucas Gutierrez

Artista digital y diseñador industrial argentino radicado en Berlín. Trabaja en diversas disciplinas, desde conferencias, talleres y performances audiovisuales hasta proyectos de video arte enfocados en los nuevos paradigmas de la Cultura Digital. Involucrado en la cultura del remix y proyectos AV en tiempo real, en los cuales fusiona influencias de diferentes contextos – desde la antropología post-trabajo hasta las citas abstractas del modelado 3D para diseño industrial. Su narrativa a menudo cita los miedos sociales actuales y distopías, pero principalmente utilizando el lenguaje de la metafísica colorida y caótica.
Sus exposiciones más recientes fueron en The New Infinity | Berliner Festspiele | Immersion y CTM / transmediale (Alemania), Llum BCN Festival d’Arts Lumíniques (España), EMA Expo ММОМА (Rusia). Charlas y performances en Centre Pompidou / IRCAM / Manifeste (Francia), Sónar+D y MUTEK (Argentina/México), ZKM-Karlsruhe, MIRA y MMMAD Festival (España), Poesiefestival (Alemania) y NYU Berlín/Tokio.
En los últimos años, Lucas ha dado conferencias en UdK – Universität der Künste Berlin y Kunsthochschule Weißensee en los campos de la visualización en tiempo real, gráficos espaciales en movimiento y visuales.

Obra – XYZ – Craft

Una actuación en vivo, especialmente comisionada, halla su camino hacia el epicentro del planetario, enmarcada en el Festival Domo Lleno. Este evento representa un recorrido por las raíces de la exploración creativa de Gutiérrez, exponiendo una selección meticulosamente curada de su trabajo. Adentrándose en el mundo de las simulaciones en tiempo real y los experimentos avant-garde con luz-láser, entre lo tradicional y lo moderno, lo conocido y lo enigmático del arte digital. En el núcleo de esta presentación full-dome, se desvela una absorbente performance en vivo que celebra la fusión de una estética vibrante, macro texturas y formas cautivadoras con sonidos que transitan por el techno experimental, glitch y broken beat.

Franja show en vivo LIVE

Joaquina Salgado & QOA

Joaquina Salgado (Argentina) es una artista digital que combina tecnologías emergentes para la creación de experiencias XR, espacios virtuales interactivos y performances A/V. Sus exploraciones entre el mundo físico y el onírico convergen en la creación de entornos sintéticos utilizando tecnologías en tiempo real, escultura digital y fotogrametría, con el objetivo de reflexionar sobre la naturaleza humana, la programación interna y la relación que generamos con las máquinas como espejo interactivo.

Joaquina forma parte de Amplify DAI, una red internacional de mujeres artistas y curadoras que trabajan en artes digitales. Sus estudios multimedia en la Universidad de Artes de La Plata (Argentina) la llevaron a presentar su trabajo en diversos contextos expositivos como festivales de arte digital, discotecas, galerías y metaversos. Ha expuesto en festivales como Mutek y Mirage, y colaborado en proyectos con Marshmallow Laser Feast (MLF).

En 2023 presentó en Zurich la performance y captura de movimiento «»DERIVA»» para la que trabajó durante su residencia en Basilea, Suiza gracias al apoyo de Pro Helvetia y unos meses después asistió a su primera exposición individual «»DESBORDE»» en el Centro NAVE de Santiago de Chile, Chile. Su última participación este año es con su instalación VR «»FLUIDO.OBJ»» en TRIENAL APAP7, una exposición de Arte Público y Heterotopías Urbanas en Anyang, Corea, que dura 3 meses en el lugar.

Obra – NIVEL V – OSCILACIÓN LÍQUIDA
༼∵( Crisis de las coordenadas )∵༽
 

Una invitación a sumergirse en una ecología intraplanetaria de alianzas multiespecies. Lo virtual y lo real se enredan en una danza de tiempos simultáneos, sonidos acuáticos y seres porosos. ¿Adónde vamos después del vértigo?

Franja de invitados y contenidos VR

Hypereikon

Hypereikon (Chile) es un dúo compuesto por María Constanza Lobos y Sebastián Rojas. Es un conjunto de afectos que, a través de la experimentación, investiga el arte generativo, creando espacios oníricos e invocando significados a través del sonido y la visualidad que transitan la idea de la transformación digital y el habitar el internet. En años recientes, han llevado a cabo una extensa investigación basada en la práctica con técnicas de aprendizaje automático con el objetivo de explorar diversos imaginarios visuales y sonoros, involucrándose en una práctica sensible que opera como una prótesis imaginaria, en un ciclo de retroalimentación donde se relacionan con las técnicas, afectando mutuamente los pensamientos, el texto, el algoritmo y la imagen.

Obra – [checkpoint: acción observatorio]

[checkpoint: acción observatorio] invita a escuchar y reflexionar sobre paisajes especulativos, tanto sonoros como visuales, bajo el lente de la sensibilidad que nos entregan las posibilidades tecnológicas, acercarnos a reflexionar sobre la importancia de escarbar en los artefactos digitales habitados comunitariamente y la memoria que remanece al habitarlos, esto para repensar el presente.
El trabajar con inteligencia artificial nos da paso a experimentar y rebuscar dentro de grandes cantidades de información capturada de la web, nos permite operar en imaginarios y remixar experiencias.
Esta intervención audiovisual busca dar atención a la captura de estos paisajes imaginarios, especulativos y generativos todo el material ha sido generado con ia, nuestra imaginación y experiencia, y la búsqueda de plantear nuestra imaginación en el espacio latente.

Franja de invitados y contenidos VR

Ugo Arsac

Ugo Arsac es un artista digital y plástico. Tiene su base en Marsella, Francia. Completó sus estudios en las Beaux-Arts y en las Arts Décoratifs en París, y luego en Le Fresnoy National Studio for Contemporary Arts. Produce películas, instalaciones y experiencias inmersivas que combinan lo urbano y lo humano, la mitología y la antropología. Ha sido galardonado con el Premio Émergences (Scam) y el Prix des Amis du Fresnoy. Su trabajo se ha exhibido recientemente en la Chronique – Biennale of Digital Imagination, Ososphère y DDessin, entre otros. Su última creación, IN-URBE, forma parte ahora de la colección del Espace Multimédia Gantner.

Obra – E N E RG E I A

«La instalación ENERGĒIA es una experiencia inmersiva de estilo documental, donde paseas sin un principio o final a través de un mundo abierto. Liberado de las leyes de la gravedad, el visitante es invitado a mirar a través de una cámara subjetiva para explorar un edificio fantasmagórico, cuya estructura se revela a medida que avanzan.

A partir de escaneos en 3D capturados en varias plantas de energía nuclear de fisión y fusión en Francia, el artista Ugo Arsac recrea espacios compuestos. A través de la inclusión de varias entrevistas con expertos, el proyecto plantea preguntas sobre el futuro de la energía. Estas entrevistas revelan la complejidad de los problemas relacionados con el consumo de energía, a niveles ambientales, económicos y geopolíticos.

Ofreciendo una variedad de perspectivas, ingenieros, físicos e investigadores nos hablan sobre el desarrollo sostenible, pero también sobre nuestra relación con los seres vivos y el orden social. Las entrevistas se reproducen cuando el visitante dirige su mirada hacia ellas y resuenan a través de los pasillos de estas estructuras laberínticas.

Este proyecto es una continuación de la investigación de Ugo Arsac sobre espacios e infraestructuras subterráneas, tanto humanas como arquitectónicas. Este pensamiento se continúa aquí, ya que consideramos las infraestructuras energéticas y las estructuras sociales y políticas que sustentan la forma en que se utilizan.»

Texto por Lucie Menard

Franja de invitados y contenidos VR

Juli Tagger

Juli Tagger es es guionista, directora y productora audiovisual especializada en animación de personajes, con 20 años de experiencia. Sus cortos han participado en prestigiosos festivales internacionales como Pictoplasma Berlín y han recibido premios como el Grand Prix y el Audience Choice Award en el Festival Internacional de Visualización Científica de Japón. Actualmente su corto de animación inmersiva forma parte del Art House en Tokyo.

Obra – SOLARIANS

Más allá del universo un grupo de extraños viajeros interestelares viaja más allá de la galaxia para sembrar vida en nuevos planetas.
Solarians es el primer film para planetarios que representa uno de los descubrimientos científicos más importantes del siglo: las ondas gravitacionales (fluctuaciones del espacio-tiempo) producidas por la colisión de dos agujeros negros. Esta pieza para domo fue realizada bajo el Manifiesto Inmersivo, del Taller de Inmersión liderado por Julia Tagger en la Universidad del Cine.

Franja animada

Maximiliane Nirschl, David Era, Tanivu Nota y Corbett Wall

Maximiliane Nirschl ha trabajado en proyectos cinematográficos galardonados como «La Famille – una tarde para toda la vida» (directora, productora) o «Door to Freedom» (editora), pero siente pasión por todas las disciplinas audiovisuales. Maximiliane creció en Baviera, Alemania, y se graduó de la Universidad de Ciencias Aplicadas de Salzburgo (Austria) en 2017 con una licenciatura en Artes y Diseño en MultiMediaArt. Luego, se embarcó en explorar el campo emergente de la Arquitectura de Medios en la Bauhaus-Universität Weimar (Alemania) y la Universidad Sheffield Hallam (Inglaterra), obteniendo una Maestría en Ciencias en 2021.
Ahora continúa explorando el Storytelling en 360°, la realización de películas en Fulldome y el Diseño de Experiencias, cursando una Maestría en Bellas Artes en la Bauhaus-Universität Weimar (Alemania).
Además, Maximiliane trabaja como investigadora junior en el campo de la Arquitectura de Medios en la Universidad de Ciencias Aplicadas de Ámsterdam. En 2016, fue asistente en el Studio Olafur Eliasson en Berlín. Desde 2013, dirige y produce diversos proyectos cinematográficos y multimedia, incluyendo cortometrajes, documentales, obras gráficas en movimiento, películas de arte/experimentales, performances e instalaciones.

Tanivu Nota, artista indígena taiwanés, nació y creció en una pequeña aldea tribal en las montañas de Alishan, su obra de arte muestra una mezcla estilística de sabores, mitos y
tradiciones.

David Era, músico y compositor austriaco que combina tecnología con sonido para crear exuberantes
paisajes sonoros naturales.

Corbett Wall, quien ha estado involucrado en producciones musicales, escénicas e inmersivas como músico, ejecutivo y
creador durante muchos años.

Obra – LITTEL WARRIOR

Cou 175586 Little Warrior es una colaboración internacional entre Taiwán, Alemania,
y Austria. Es una leyenda indígena Cou sobre un niño llevado a los cielos por el dios supremo Hamo para que aprenda las costumbres del guerrero.

Viaja con Hie a un mundo celestial llamado 175586, donde aprende de los animales del bosque y conoce al dios supremo Hamo, que lo transforma en un guerrero.
animales del bosque y conoce al dios supremo Hamo, que lo transforma en un guerrero Cou.
Con la lanza de Hamo y el don del fuego, Hie regresa a su aldea para compartir la sabiduría de los antiguos.

En lo más profundo de las verdes y exuberantes montañas de Taiwán, el pueblo Cou ha vivido durante siglos, orgulloso de su rico patrimonio cultural y de su profunda conexión con la naturaleza que les rodea. Viven en armonía con la naturaleza desde hace miles de años.
Su conexión con la tierra y los espíritus del bosque es palpable, como se aprende
a través de sus historias tradicionales transmitidas oralmente de generación en generación.

Franja animada

Afroditi Psarra and Audrey Briot

Afroditi Psarra es artista multidisciplinar y profesora asociada de Artes Digitales y Medios Experimentales (DXARTS) en la Universidad de Washington, donde dirige el DXARTS Softlab. Su investigación se centra en la interacción del arte y la ciencia con un discurso crítico en la creación de artefactos. Le interesa el uso del cuerpo como interfaz de control y la revitalización de la tradición como metodología para piratear las normas existentes sobre los objetos técnicos. Utiliza la ciberartesanía y otras prácticas de género como hilos especulativos, y las tecnologías de código abierto como modelos educativos de difusión del conocimiento. Su trabajo se ha presentado en festivales internacionales de arte multimedia como Ars Electronica, Transmediale y CTM, Eyeo, Amber, Piksel y WRO Biennale, entre otros, y se ha publicado en conferencias como Siggraph, ISWC (International Symposium of Wearable Computers), DIS (Designing Interactive Systems), C&C (Creativity and Cognition) y EVA (Electronic Visualization and the Arts). En los últimos tres años ha cultivado su práctica curatorial a través del programa de radio Transmission Ecologies en Stegi Radio Athens, donde presenta cada mes a diferentes artistas que exploran el mundo del arte radiofónico y las interferencias electromagnéticas.

Audrey Briot es artista, diseñadora textil e investigadora independiente. Es cofundadora de DataPaulette, un colectivo y hackerspace dedicado a la investigación de tecnologías textiles y materiales blandos. Su trabajo se centra en el impacto de las tecnologías emergentes en la conservación del saber hacer, especialmente en el sector textil. Se centra en la comunicación no verbal transmitida por los textiles, que para ella representan toda una cultura e incluso un sustituto de la escritura. Para ello se basa en investigaciones antropológicas que se remontan al Paleolítico. Siguiendo esta línea, conecta máquinas y ordenadores para crear tejidos que son vectores de memoria con datos añadidos e interactividad. Su trabajo se ha expuesto en Ars Electronica, BOZAR e ISEA y se ha publicado en CHI, ISWC y DIS.

Obra -Listening Space

Listening Space es una investigación artística en curso entre Afroditi Psarra y Audrey Briot, que explora las ecologías de transmisión como medio de percibir el entorno más allá de nuestras capacidades humanas. Conceptualmente, el proyecto busca definir los datos de satélite como materia prima para la expresión artística, para entender y reimaginar en medios poéticos, representaciones de audio e imágenes emitidas desde el espacio, utilizando el movimiento corporal y el gesto como actuadores para explorar la teledetección. Impulsados por nuestras exploraciones previas en sistemas de comunicación no verbal, nos propusimos explorar la detección por radiofrecuencia, considerando el cuerpo humano como una interfaz para percibir el universo invisible que nos rodea. Al investigar las energías que ha cosechado la humanidad para tejer esta compleja capa, un turbulento mar de ondas de radio que penetra en el tejido de nuestra vida cotidiana aunque permanezca invisible e inaudible, pretendemos crear connotaciones poéticas entre las cualidades sónicas de la recopilación y el archivo de datos, y los cuerpos como agentes de poder para reinterpretar las tecnologías actuales. En concreto, las ecologías de transmisión que componen el Espectro Radioeléctrico, son sin duda la máxima expresión del Antropoceno, ya que permiten el funcionamiento de la vida humana tal y como la conocemos (telecomunicaciones, vigilancia medioambiental, radioastronomía, radio FM/AM, etc.) y conforman nuestra comprensión del planeta. En este contexto, Listening Space pretende explorar las transmisiones por satélite como máquinas discretas encarnadas, observando su vida al ritmo dictado por su órbita. Mediante la experimentación práctica, tratamos de interceptar las transmisiones audiovisuales de los satélites meteorológicos NOAA utilizando Software-Defined-Radio y antenas artesanales.

Franja sonora inmersiva: Ontologías del Sonido / Entre especies y espectros

Felix Deufel

Felix Deufel es un artista sonoro y director creativo especializado en el sonido y el espacio, la audición espacial y la importancia de los paisajes sonoros tanto para el ser humano como para el medio ambiente. Sus trabajos artísticos abarcan instalaciones en salas, composiciones, salidas de campo e investigación. Deufel es el fundador de Not a Number Studio y actualmente se centra en el desarrollo de un software de audio 3D. En 2020 creó el Centro de Arte, Música y Tecnología de Medios Inmersivos (ZiMMT) en Leipzig, que ofrece una plataforma para la colaboración interdisciplinar y la innovación en los ámbitos del arte y la tecnología de medios inmersivos.

Obra – lost in liquid noise

lost in liquid noise es un proyecto artístico de investigación de campo del artista sonoro Felix Deufel.

lost in liquid noise es la composición acústica de 80.000 millones de toneladas de agua de deshielo, la masa de hielo derretido que se desprende cada día del escudo de hielo de Groenlandia, contribuyendo significativamente a la subida del nivel del mar.

El agua cubre el 70% de la superficie terrestre y constituye el 50% del cuerpo humano. Es la base de toda la vida y, al mismo tiempo, la causa del 90% de las catástrofes naturales. La subida del nivel del mar como consecuencia del cambio climático amenaza el hábitat de 300 millones de personas.

La composición lost in liquid noise difumina y fusiona millones de matices de pequeñas partículas y elementos en infinitas variaciones de ruido. El resultado son éxtasis sonoros furiosos y rugientes, un grito sibilante y chillón y la fina insinuación de una onda sonora.

Franja sonora inmersiva: Ontologías del Sonido / Entre especies y espectros

Fernando Godoy

Artista sonoro y gestor radicado en Valparaíso, Chile. Es director de Tsonami Arte Sonoro, organización que promueve las prácticas sonoras contemporáneas y su vinculación con el territorio a partir de cuatro ejes de trabajo: fomento, educación, radio y editorialidad. Como artista su trabajo investiga la escucha y el sonido como manifestación y fenómeno que afecta los cuerpos y el territorio, realizando proyectos, exhibiciones y performances en Latinoamérica, América del Norte y Europa.

Obra – Catálogo de Olas

Versión 7.1 de la publicación en cassette Catálogo de Olas, una colección de grabaciones del mar realizadas en islas remotas del archipiélago de Chiloé. Catálogo de Olas es resultado del Proyecto Archipiélago, una investigación sonora del paisaje natural y cultural de las islas de Chiloé (Chile), una exploración del paisaje marino y submarino de territorios aislados donde una embarcación fue transformada en un laboratorio radial pirata, para la recepción y transmisión de señales sonoras.

Franja sonora inmersiva: Ontologías del Sonido / Entre especies y espectros

Florencia Curci

Florencia Curci es artista y gestora cultural. Desde el radioactivismo y la investigación artística busca generar herramientas comunes para la resistencia y el cambio. Aborda problemas territoriales específicos de manera situada, generando instancias de encuentro con las comunidades a través de prácticas experimentales. Realiza emisiones radiofónicas nómades, nuevas cartografías, instalaciones sonoras, performances y prácticas de escucha en terreno. Explora temas relevantes de forma participativa, buscando generar experiencias que convoquen a la acción colectiva.
Dirige el Centro de Arte Sonoro (Argentina) desde su fundación en 2017. Desde 2020 lleva adelante Radio CASo, la primera radio de música experimental e investigación con sonido de Argentina. Además, es co-curadora del Festival RUIDO, dedicado a la circulación de artistas experimentales de Argentina, Latinoamérica y el mundo.

Obra – IMAQUINARIA II –

IMAQUINARIA II – es una especulación sónica en la que todas las cosas son capaces de enviar y recibir mensajes.

Franja sonora inmersiva: Ontologías del Sonido / Entre especies y espectros

Sharath Chandra Ramakrishnan

Sharath Chandra Ramakrishnan es profesor adjunto en la Escuela de Arte y Diseño de la Universidad de Illinois Urbana-Champaign. Su trabajo abarca los campos del diseño de interacción hombre-máquina, la psicología cognitiva, la cognición auditiva, los estudios sonoros y las artes mediáticas. Su investigación integra metodologías de estos campos para concebir interfaces de información y asistencia auditiva capaces de aumentar nuestra percepción y conocimiento del mundo mediante la sonificación de la información, la interacción multimodal y el sonido. Es licenciado en Inteligencia Artificial con especialización en HCI en entornos virtuales por la Universidad de Edimburgo y doctor en Arte, Tecnología y Comunicación Emergente por la Universidad de Texas en Dallas.
Obra – (Un)Inhabitable Zones
Síntesis algorítmica de sonidos naturales de viento, gotas de agua y sonidos orgánicos superpuestos a una simulación sonificada del planeta Kepler 47-C orbitando un sistema de soles gemelos. Se cree que Kepler 47-C está en una zona habitable, donde podría haber agua, atmósfera y vida en la superficie de un planeta.
Franja sonora inmersiva: Ontologías del Sonido / Entre especies y espectros

August Black

August Black es un practicante híbrido de arte, diseño e ingeniería. Crea situaciones espaciales y acústicas experimentales, a menudo construyendo sus propios artefactos tecnológicos e instrumentos tanto en hardware como en software. Su trabajo anterior se centró en el audio en red en vivo, mezclando la radio FM con la entrada del usuario a través de software en línea. Sus intereses actuales abarcan los campos de la filosofía de la tecnología, estudios de software, tecno-política, redes peer-to-peer y inteligencia artificial/aprendizaje automático.
En el pasado, fue miembro de organizaciones artísticas como ORF Kunstradio y Ars Electronica Futurelab, así como exmiembro del equipo de ingeniería en Cycling ’74, fabricantes de Max/MSP.
Ha presentado obras en festivales y lugares como Ars Electronica Festival, Dutch Electronic Arts Festival, Wave Farm, Transmediale, Pixelache, LA Freewaves, Piksel Festival, Polar Circuit y el Museo de Arte de Tasmania, entre otros.
Obtuvo una Licenciatura en Bellas Artes en la Universidad de Syracuse y fue Becario NSF IGERT en la Universidad de California en Santa Bárbara, donde completó una Maestría y un Doctorado. Ha impartido clases de medios y arte en UC Santa Bárbara, la Universidad de San Francisco y CU Boulder.

Obra – Audio Compost

Utilizando una aplicación web personalizada que crea un bucle virtual frippertronicamente sincronizado, este instrumento de rendimiento invita a la audiencia a enviar sus voces, sonidos y pensamientos a través de los micrófonos de sus dispositivos móviles como una forma de descomponer los residuos acústicos y sonoros existentes en nuevos materiales orgánicos para fertilizar y mejorar la imaginación sonora.

Franja interactiva

Festivales invitados

Understanding Visual Music – UVM (Argentina)

Proyecto pionero dedicado a la música-visual y sistemas inmersivos, como son los eventos en fulldome. UVM viene realizando simposios, festivales, conciertos, conferencias y curadurías desde 2011 en Alemania, Argentina, Brasil, Canadá, Colombia, México, Inglaterra, entre otros países.

Entre sus actividades se destaca el Taller Fulldome UVM 2015/2016 – Música-Visual: Experimentación, Investigación y Creación que, durante un año, permitió capacitar a 15 equipos multidisciplinarios de Argentina y Brasil en producción para formatos fulldome. Este taller fue realizado gracias a la participación de académicos y artistas de varios países, con apoyo del Planetario de Buenos Aires, el Centro de Experimentación e Investigación en Artes Electrónicas de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (CEIARTE-UNTREF) de Argentina, y Concordia University, de Canadá.

Understanding Visual Music (UVM) ha inspirado proyectos similares en varios países, ayudando a difundir la creación y producción de obras que entrelazan arte, ciencia y tecnologías emergentes, en entornos inmersivos.

Obras:

My first BODY

  • Presentada por: Understanding Visual Music (UVM), en colaboración con la Bauhaus-Universität Weimar, Immersive Media, el Centro de Experimentación e Investigación en Artes Electrónicas de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (CEIARTE-UNTREF), Argentina, y el Fulldome Festival Foundation de Jena, Alemania.

  • Un agradecimiento especial a: Liese Endler (MFA), Kate Ledina (MFA), Mohammad Jaradat (MFA) y al profesor Micky Remann.

A través de la representación del repertorio iconográfico de los nativos argentinos, la serie de cortos invita a reflexionar sobre preguntas como «¿Qué tanto conectamos con el ambiente?», «¿Qué vínculos espirituales y físicos existen entre la humanidad y su ambiente?» Esta experiencia inmersiva audiovisual nos acerca más a los símbolos originales, a las palabras, al conocimiento, las mitologías y tecnologías que las culturas ancestrales usan para estas conexiones y vínculos.